El arte es diálogo

El arte es fundamentalmente diálogo con las obras y autores que nos han precedido, con nuestro presente. Diálogo con las ideas que influyen en las relaciones humanas en todos los ámbitos, en un espacio y un tiempo. Hoy el espacio es global y el tiempo es relativo, por lo que todo se magnifica o se hace más pequeño, pero este es otro tema. El museo, como institución que atesora el legado del arte, cada vez más, busca las dinámicas que, más cercanas al contexto social que le arropa, le posibiliten establecer este diálogo. En poco tiempo, en cuanto a cronografía histórica, hemos pasado de una sociedad jerarquizada a una sociedad de líneas difusas, y esto se refleja también en el arte. Las disciplinas, los géneros, se mezclan y confunden, constantemente estamos redefiniéndonos. Nuestros templos del saber han sustituido el silencio espiritual por el ruido, las manifestaciones de una sociedad que se expresa en múltiples y muy diversas facetas, todas necesarias, personales, colectivas, y que se extienden en redes de comunicación de alta velocidad. Y, además, el turismo cultural también necesita entender la obra de arte en su contexto, disfrutar de su conocimiento relacionándolo con su realidad, ligada a unas relaciones vividas en un contexto social y cultural determinado, donde todo tiene que ver con todo.

El MUBAG, Museo de Bellas Artes Gravina, consolida su nueva etapa, a cargo de su nuevo director Jorge Soler y su equipo, haciéndose eco de esto, con la propuesta de mostrar las obras que se han generado en nuestro contexto, con autores alicantinos como Miguel Abad Miró, Emilio Varela, Eusebio Sempere, Elena Aguilera, María Chana... Pero también exponiendo el diálogo de autores universales como Salvador Dalí y su dilatada trayectoria en la ilustración de grandes obras de la literatura, en el corto de animación, el escaparatismo, etc. Siendo, quizá, el proyecto más arriesgado que nos propone, el contraste entre la geometría de Eusebio Sempere y la de Felipe Pantone, autores de muy distintas generaciones, formación y circunstancias vitales. Este es un diálogo que nos conecta con la creación artística de nuestros días, confrontándola con la obra de uno de los grandes creadores de la segunda mitad del siglo XX, con una fuerte conexión con Alicante, como la creación de uno de los primeros museos de arte contemporáneo en España, hoy MACA.

Otro Dalí

En la exposición Dalí-Metamorfosis asistimos a toda una evolución de los recursos de la ilustración, cercanos a la invención del dibujo y la pintura, a través de obras míticas de la literatura, que han sido llevadas al teatro, al cine, han sido objeto de creaciones musicales o de ballets. Todo un diálogo que va elaborando un discurso que redunda en la diferente interpretación de la imagen, de los símbolos. En El sombrero de tres picos, (1874), el sombrero y la capa del gobernador definen la jerarquía de un personaje y su parodia. Y Dalí sabe plasmar la revelación de esta metamorfosis en la imagen de estos iconos. En La Divina Comedia (1304-1321), de Dante, la visión del paraíso, de los castigos del purgatorio, el deambular de los poetas por estos espacios sin definición, se recrea con una imagen que refleja esta misma indefinición, como básica para la creación de la forma. Dalí busca evidenciar la visión de la transformación de la idea, sustentada en una estética, que sugieren estas obras que en sí ya juegan con la simbología, la transformación de sus significados, con la ruptura y la creación. El trabajo de Dalí, en 1969, sobre Alicia en el País de las maravillas, (1865), texto propicio para la expresión surrealista, lo podemos contrastar en la exposición con la ilustración realizada en 1868 por John Tenniel, dándonos la visión explícita del diálogo del arte.

Pero también su visión de la animación en movimiento, realizado con el apoyo de Walt Disney o la imagen exterior del escaparate de modas. El artista, Dalí, dialoga con su tiempo a través de la multidisciplinariedad. Hoy es algo más habitual, incluso una exigencia de las galerías de arte, entonces fue algo incomprendido. ¡¡Que cosas!!

Como prólogo, nos muestra sus dibujos de juventud, y cómo se inicia en el diálogo con la imitación de grandes autores como Ingres (1780-1867, Francia). A través de la perfección y dominio de este autor busca reafirmarse, captar el detalle mínimo de la realidad, pero desde su creación. Ingres no es el prototipo decimonónico, sino algo más que la reproducción perfecta. Y Dalí busca igualarse al maestro. Su camino posterior le llevará a la reflexión surrealista, la metáfora, el símbolo. El valor de la idea en la invención de imágenes.

Por otra parte, el museo nos muestra el diálogo Eusebio Sempere & Felipe Pantone. Seriación y cromatismo cinético. Autores de muy diferentes generaciones, de muy diferentes formaciones y circunstancias vitales, que coinciden en el uso de la línea y la forma geométrica, integrados en una concepción que, desde el principio de los tiempos, ha creado un lenguaje plástico a partir del color y el ritmo de la línea, de la geometría, la luz, y la definición de un espacio más o menos abstracto o figurativo, que tiene que ver con nuestra percepción esencial.

Este diálogo es un reclamo directo a las nuevas generaciones. Una de las preocupaciones de nuestra educación es conseguir que los jóvenes miren más allá de su realidad, hacerles ver que el mundo no empezó con ellos, que hay todo un mundo de posibilidades a su disposición en la experimentación que les ha precedido.

Encuentro en la geometría

La comparativa, diálogo, entre Sempere y Pantone crea el interés sobre la obra de Sempere, que para muchos es casi un auténtico desconocido. Pero también hacia la comprensión de la creación actual, como algo sustentado en el conocimiento. Hablemos de lo que ocurre en este encuentro de la geometría, su dicción y su interés para el arte en general y para el mundo real de este momento.

La geometría es, por definición, el elemento natural desde donde nace toda forma, simple o compleja, todo es geometría. La estética nos da lecciones de cómo se compone el mundo físico, su relación con los conceptos del espacio y sus diferentes formas. Todo confluye en que la geometría es la regla que gobierna el universo, también nuestro mundo. Mírenlo desde esta dimensión y verán.

Sempere adivinó esto y se comprometió con la realidad artística de su momento histórico, París y su análisis del arte de los años cuarenta que surgió de Picasso, los constructivistas rusos, Mondrian y Vasarely. Los efectos de la luz sobre la superficie del cuadro fueron motivo de reflexiones que se desarrollaron más allá de lo práctico. El diseño del objeto (tridimensional) y de la superficie (bidimensional), capaz de reflejar las múltiples variaciones producidas con el cambio de vista del espectador, la imagen se transforma con el movimiento, con la incidencia de la luz. Había nacido el Op-Art, el arte que daba a la imagen múltiples visiones, ilusorias o no. Mondrian salía beneficiado en esa lucha por lo nuevo, entre gestualidad y orden, entre figuración y abstracción. Su rigor, que había nacido de Picasso y Kandinsky, entre otros, revolucionó la mirada hacia el objeto. Sempere, a partir de ahí, se puso a dibujar este nuevo concepto, a través del paralelismo como fuente de inspiración, sin olvidar otras fuentes, la poesía, el paisaje, la sensibilidad del campo cromático, el entrecruzamiento, la hipérbole del espacio, llevada al extremo sobre el papel, el cartón, la madera. Y también, como no, la reproductibilidad del grabado y la serigrafía como nuevo campo de experimentación, hasta sus últimas consecuencias. El arte, en suma, del control absoluto del espacio resumido en el diálogo constante entre contrarios, la línea y la masa, el cuerpo del cuadro.

Esta muestra en el MUBAG, sobre todo, refleja una ambición por revelar partes del arte actual cuya referencia es Sempere. Pantone es el que conecta con la juventud a través de su trabajo plástico, desarrollado con la tecnología digital, que refleja el momento actual en el que la sociedad en su conjunto está inmersa. De la manualidad que rige el ritmo de una composición, de la vibración del pulso, de la confrontación en un espacio físico con la visión del espectador, nos pasamos a la pantalla del ordenador, nos enfrentamos a otra luz, otra composición del espacio, determinada por otro ritmo, otros referentes que juegan con la creación de la imagen plana y la perspectiva distorsionada, en el ámbito más de la ficción, de la ilustración, incluso, que de la realidad natural.

El gran logro de esta exposición, de estas diferentes muestras, es que el público de diferentes generaciones se interese por el diálogo del arte, diálogo entre la modernidad que nos precede y la del siglo XXI.

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